책을 펼치면 나만의 도슨트가 내 곁으로 온다

한 편의 그림이 백 마디 말보다 설득력 있게 다가올 때가 있다. 외롭고 지쳤을 때 문득 다가온 그림 한 편이 나를 위로해 줄 때도 있다. 반대로 사람들이 대단하다고 하는 명화 앞에서 사진을 찍으면서도 도대체 왜 명화인지 고개를 갸우뚱하게 되는 일도 있다. 예술 분야 중에서 일반인들이 이해하기 어렵다고 느끼는 분야는 아마도 문학이나 음악보다는 미술일 것이다. 전문가들의 설명이나 평을 듣고 고개를 끄덕여 보지만 내 가슴으로 느껴지지 않으면 감동은 줄어든다. 또 미술에 대한 기초지식이 전혀 없는 것도 깊이 있는 감상을 어렵게 한다. 그렇기에 저자는 진정한 감상은 창작만큼 어렵고 가치있는 일이라고 말한다. 그림을 다른 사람의 잣대가 아닌 동심의 눈으로 바라보라고, 편견을 내려놓고 자기만의 렌즈로 보라고 강조한다. 비록 서툴더라도 남이 차려준 밥상이 아닌, 소박하지만 나만의 밥상을 차려보라는 것이다. 저자가 우리에게 주는 메시지는 분명하다. 지식과 도덕이 지배하는 세상에서 우리를 구원하는 것이 예술 세계이며, 이를 통해 자유와 삶의 의미와 가치를 발견할 수 있다는 것이다. 화가의 마음속에 들어가 깊이 공감함으로써 예술 안에서 자유와 행복을 느낄 수 있다는 것이다. 화가이면서 문학가이기도 한 저자는 문학과 미술에 대한 해박한 지식과 더불어 인생철학을 이 책에 담아냈다.특히 화가와 명화 이야기에서는 다채로운 비유와 설득력 있는 문체, 주인공이 된 듯한 생생한 표현 등 에세이나 소설을 읽는 듯한 즐거움을 안겨준다. 또 나만의 도슨트가 곁에서 설명을 해주는 것처럼 친근하고 물 흐르듯 편안한 설명과 약 100편의 컬러 명화가 곁들여져 마치 미술관에 와 있는 듯한 감동을 느끼게 해준다. 그런 의미에서 이 책은 미술 감상과 이해를 위한 단순한 교양 미술서가 아니라 휴식과 위안을 주는 책이기도 하다. 이 책은 5장으로 이루어져 있다. 미술 감상의 태도, 일상생활에서 예술이 필요한 이유, 미술(회화) 기법, 독특한 화가와 명화 이야기, 근현대 미술사 등 진정한 미술(그림) 감상을 위한 최소한의 미술 지식과 가이드라인을 제시한다. 각 장은 서로 독립된 주제를 다루고 있어 어떤 장을 먼저 읽어도 재미있게 읽을 수 있을 것이다.

들어가는 말
제1장 명화를 감상하기 전에
1 미술은 어떤 쓸모가 있나요?
2 예술 창작이 감상보다 더 가치가 있나요?
3 그림은 어떻게 감상해야 하나요?
4 그림과 전시회장
5 회화, 사진, 그리고 영화
6 서양 회화의 특징
7 인상파 회화 감상법
8 동양의 영향을 받은 서양 회화
9 문학을 다룬 회화가 많은 이유
10 예술적 안목을 기르는 방법

2장 예술 생활 즐기기
1 작가의 눈
2 진정한 예술가란?
3 예술과 과학
4 같은 소재, 다른 표현 방식
5 만화와 아동화
6 예술 생활이란?
7 순수 미술의 중요성

3장 회화의 기법
1 회화의 기초
2 서양화에서 인체 묘사를 중요시하는 이유
3 회화 기법 세 가지
4 회화의 6가지 표현 방식

4장 화가와 명화 이야기
1 영원한 ‘주제’를 담다 - 밀레
2 ‘상상과 현실’의 스케치 - 들라크루아와 쿠르베
3 ‘새로운 구도법’의 탄생 - 휘슬러
4 인상파 화가의 스승 - 터너
5 ‘황금 비율’의 틀을 벗다 - 앵그르
6 거울을 지닌 ‘초상화’ 화가 - 렘브란트
7 ‘유화’의 발명과 발전 - 에이크 형제
8 영원의 ‘미소’- 레오나르도 다 빈치

5장 서양 미술사의 이해
1 르네상스, 근대 문화의 첫걸음
2 북유럽 르네상스와 바로크 시대
3 프랑스 대혁명과 현대 미술의 선구자
4 ‘격동’의 예술, 과학혁명 시대
5 근대 회화의 유망주 - ‘사실주의’
6 근세의 이상주의 회화 - 라파엘 전파, 신낭만파
7 과학주의 예술 - 인상파와 신인상파
8 주관화의 예술 - 후기 인상파
9 회화의 이단아 - 야수파
10 형체의 혁명 - 입체파
11 감정이 폭발한 예술 - 미래파와 추상파
12 참신한 화파 - 표현파와 다다이즘

10-11쪽) 순수 미술에서 그림의 본질은 ‘아름다움’입니다. 아름다움은 실용적인 지식이 아니라 감상을 통해 느끼는 감정이죠. 화가는 자신이 발견한 아름다움을 그림으로 표현할 뿐이지 지식을 가르치려고 그리는 게 아닙니다. 그림을 감상하는 사람도 감정에 따라 아름다움을 감상하면 그만이에요. 진정한 그림이란 표현하고 감상하는 것이지 현실적인 목적을 가지고 있지 않습니다. 그러니 영정 초상화, 백과사전 그림, 명승지 그림, 광고책같이 설명이나 실질적인 목적을 가지고 그려진 그림은 예술적인 그림이라 할 수 없습니다. 그렇다고 해서 실용적인 그림이 가치가 없다는 뜻은 아니에요. 단지 실용적인 그림과 예술적인 그림은 성격이 전혀 다르다는 겁니다.
그러니 전시회에 가서 그림을 앞에 두고 온갖 지식을 동원해 그림을 분석하지 말아 주세요. 비록 예술적인 그림이 실용적이지 않더라도 실용적인 그림보다 우리 삶에 미치는 영향이 훨씬 크니까요.13-14쪽) 작가와 감상자는 이렇게 서로 감정을 공유할 수 있습니다. 작가의 마음속 깊은 울림이 감상자의 마음속 깊이 전달되기 때문이에요. 따라서 진정한 의미의 예술 감상은 ‘창작의 재현’이라 할 수 있으며, 이를 일종의 창작으로 볼 수도 있습니다. 작가가 능동적인 창작을 한다면 감상자는 수동적인 창작을 하는 것이죠. 따라서 완벽한 감상은 창작만큼 가치 있는 일이에요. 감상을 그저 보고 듣기만 하는 단순한 일로 여기고 창작만을 높이 평가하는 건 굉장히 얄팍한 견해예요. 진정한 감상은 창작만큼이나 어려운 일인데, 그건 창작자와 같은 마음이 필요하기 때문입니다.17-19쪽) 누구나 마음속에 렌즈가 하나씩 있습니다. 이것을 통해 보면 더 이상 ‘변형’의 힘에 기대지 않고도 아름다운 세상을 볼 수 있어요. 렌즈를 통해 삼라만상을 바라보면 모든 사물이 실용성과는 무관해지고 오로지 고유한 사물로서 존재감을 갖는 생명체로 변한답니다. 사물 하나하나가 독립적인 존재가 되는 거죠. 집은 단순히 사람이 거주하는 곳이 아니고, 자동차는 교통수단이 아니에요. 꽃은 열매를 맺기 위한 것이 아니고, 과일은 사람들의 먹거리가 아니에요.
이 ‘렌즈’는 돈을 주고 살 필요가 없고 누구나 마음속에 만들어낼 수 있어요. 일상생활에서 우리는 여러 가지 일들에 치여 이 렌즈를 사용하지 않아요. 하지만 시골 들판을 산책하거나 깊은 밤 달빛 아래에 서 있을 때면 마음껏 이 렌즈를 사용합니다. 전시회장에서도 이 렌즈를 사용할 수 있습니다.40쪽) 19세기 이전만 하더라도 서양 화풍과 동양 화풍은 완전히 달랐습니다. 19세기 말 이후, 서양화가 동양 회화의 영향을 받으면서 동서양 미술이 점차 융합되는 형태가 나타나기 시작했어요. 이는 회화의 변천일 뿐만 아니라 유럽의 현대 예술사조에 있어 주목할 만한 부분이에요.
유럽 현대 회화의 선구자는 폴 세잔Paul C?zanne입니다. 그는 ‘만물은 나의 탄생으로 존재한다’라는 예술관을 가지고 있었어요. 폴 세잔은 그림을 그릴 때에 붓질을 시작하면 수정하지 않고 단번에 완성했습니다. 이는 서양의 사실파, 인상파, 객관주의 예술에 대한 혁명이자, 서양화에 동양적인 주관적 요소가 처음으로 가미된 화풍이에요. 이러한 화풍은 빈센트 반 고흐Vincent van Gogh에 이르러 더욱 두드러졌어요. 뚜렷한 선과 선명한 색채, 단순한 표현법은 서양화가 동양의 영향을 받았다는 증거입니다.66쪽) 미술사학자인 리차드 무더Richard Muther 전기에 따르면, 장 프랑수아 밀레Jean-Fran?ois Millet는 농부처럼 바르비종Barbizon 교외에 자주 나갔습니다. 붉은색 낡은 외투를 입고 비바람을 막기 위한 밀짚모자를 쓰고 나무장화를 신고 들판을 배회했어요. 그는 농사를 짓는 부부와 마찬가지로 날이 밝으면 일어나 들판에 갔어요. 하지만 그는 양치기나 소에게 여물을 주는 일을 하지 않았고 물론 호미도 들지 않았죠. 그저 손에 쥔 지팡이를 다리 사이에 끼우고 바닥에 앉아 있었습니다. 그의 무기는 관찰력과 시적 감수성뿐이었어요. 그는 벽에 기댄 채 장미색의 저녁노을이 들판에 드리워지는 모습을 관찰했습니다. 해질 무렵 기도시간을 알리는 종소리가 울리면 농부들은 기도를 하고 집으로 돌아갔어요. 그는 농부들이 돌아가는 모습을 끝까지 지켜본 다음 집으로 돌아갔어요.
날마다 반복되는 그의 작업은 들판에서 일하는 사람만큼이나 힘들었을 겁니다. 그가 이러한 모습을 관찰하지 않았다면 〈만종〉, 〈이삭 줍는 여인들〉, 〈씨 뿌리는 사람〉 등의 독창적인 걸작이 탄생할 수 없었을 거예요.99쪽) 그림을 배울 때에는 항상 인체, 특히 나체의 사람을 많이 선택합니다. 일반적으로 사람의 신체(나체)가 얼굴보다 단순하다고 생각하는데, 사실 얼굴보다 그리기가 더 어려워요. 손만 봐도 그래요. 손으로 주먹을 쥐었다 폈다 하면 구부러지는 선, 복잡한 형상 등 다양한 형태를 볼 수 있어요. 손을 그리기 어렵다는 사실만으로도 신체를 그리는 것이 더 어렵다는 사실을 알 수 있을 겁니다. 허리선은 길쭉한 곡선으로 다양하게 변화하며 규칙적이지 않아요. 이를 둘러싸고 있는 뼈와 살, 피부가 있는 신체는 가장 묘사하기 어려운 형상이에요.
색채를 보자면, 인간의 피부색은 주요 색채가 없습니다. 복잡한 빛 아래에서 보면 오묘하게 갖가지 색채를 띠어요. 따라서 우주의 모든 존재물 가운데 형상과 색채가 가장 복잡하고 가장 묘사하기 어려운 것이 바로 사람의 신체예요. 그림을 배울 때 신체를 묘사하는 방법만 터득한다면 산과 물, 꽃과 나무 등의 사물을 묘사하는 건 어렵지 않아요. 인체에는 산과 물, 꽃과 나무의 색채보다 더 복잡한 색채가 있기 때문입니다.125쪽) 〈민중을 이끄는 자유의 여신〉을 그린 외젠 들라크루아Eug?ne Delacroix는 새롭고 신기한 걸 좋아했어요. 싸움, 신선, 달리는 말, 사냥꾼, 사자춤 등 신기한 소재를 그림으로 그렸죠. 그의 그림에는 색이 선명하게 표현되어 있어 사람들은 그를 ‘색채화가’라고 불렀습니다. “그가 표현한 색채에는 마치 불이 들어 있는 것 같다”라고 말하는 사람도 있었어요. 〈민중을 이끄는 자유의 여신〉을 보면 색채가 정말 선명하죠! 들라크루아 같은 화가들이 바로 ‘낭만주의 화가’예요.
〈밀 터는 여인들〉을 그린 귀스타브 쿠르베Gustave Courbet는 들라크루아와 정반대였습니다. 그는 눈으로 흔히 볼 수 있는 사실만이 아름다운 것이라 생각했어요. 그는 천사를 그린 예전 화가들을 비웃으며 이렇게 말했어요.
“등에 날개가 달린 천사를 봤다고? 천사를 그리는 사람들은 모두 미치광이야!”139쪽) 다비드는 제자가 많았어요. 그중 최고의 인재가 한 명 있는데, 바로 장 오귀스트 도미니크 앵그르Jean Auguste Dominique Ingres입니다. 앵그르 또한 초상화를 잘 그렸고, 역사화를 그리는 것도 좋아했습니다. 그의 화법은 스승보다 참신했기 때문에 후대 사람들은 그를 ‘신고전파’라고 불렀어요. 그는 소묘 연습에 많은 힘을 쏟았어요. 그의 소묘 작품은 지금까지도 프랑스에서 최고로 꼽히고 있어요. 또한 그는 채색화에도 뛰어난 재능을 보였어요. 차분하면서 조화로운 색채가 마치 달빛 아래 또는 등불 아래에서 보는 것처럼 느껴져요.
그의 작품인 〈터키탕〉을 보면 인체의 색을 부드럽게 표현하여 배경 색과 잘 어우러져 있어요. 이 그림은 ‘온화한 아름다움’을 보여주는 작품이에요. 아름다운 나체에 온화한 색채와 원형의 그림틀을 사용하고 있기 때문이에요. 서양화의 그림틀은 대부분 황금 비율을 사용하는데, 정사각형, 타원형 또는 원형의 그림틀을 사용하는 경우도 있습니다. 이는 화가의 개인적인 선호도에 따르는 것이 아니라 그림에 묘사된 형상과 색채가 황금 비율의 직사각형 틀보다 정사각형 틀, 타원형 틀 또는 원형 틀에 잘 어울리기 때문입니다. 143-144쪽) 렘브란트는 부인 사스키아를 굉장히 사랑했어요. 똑똑하고 아름다운 사스키아는 자주 모델이 되어줬는데, 렘브란트 일생의 가장 큰 행복이었죠! 그가 그린 사스키아의 초상화는 수십 점에 달하는데, 귀부인의 복장, 고대 복장, 화가의 무릎에 앉은 자세, 꽃밭에 숨은 모습 등 그림마다 차림새와 자세가 모두 달랐어요. 사스키아의 초상화는 모두 좋은 작품이에요.
사실 렘브란트는 사스키아의 초상보다 거울에 비친 자신의 초상을 그리는 걸 더 좋아했습니다. 그의 곁에는 항상 거울이 있었죠. 수시로 거울을 꺼내 자신의 얼굴을 비춰보고 자세히 관찰했어요. 그리고 맘에 드는 모습을 발견하면 큰 거울 앞에 앉아서 자신의 초상을 그렸어요. 그래서 그의 작품 중에는 자화상이 많아요. 그의 둥글둥글하고 통통한 얼굴은 기쁜 표정을 짓고 있으며, 인자하고 행복한 모습을 느낄 수 있어요154-155쪽) 티치아노는 여성의 초상화를 그리는 걸 좋아했습니다. 그가 그린 여성은 모두 아름다우며 현실 속 여성처럼 보여요. ‘플로라’라는 제목의 그림은 그의 대표작이에요. 플로라는 꽃의 여신이란 뜻으로 상상 속 인물이지만 현실 속 소녀처럼 표현되어 있습니다.
〈모나리자〉와 〈플로라〉 두 작품을 비교해 보면, 전자는 장엄하고 신성한 분위기를 풍기고 있어 현실 속 여성을 그린 그림임에도 천상의 여신처럼 보입니다. 이에 반해 후자는 사랑스러운 자태를 보이고 있어 천상의 여신을 그린 그림임에도 현실 속 여성처럼 느껴져요. 이를 통해 고대 미술은 현실과 동떨어진 이상을 중시했고, 근대 미술은 현실 세계와 점점 가까워졌음을 알 수 있습니다. 지금 시각에서 보면 ‘플로라’가 ‘모나리자’보다 더 귀엽게 느껴질 거예요. 그건 ‘모나리자’는 세상과 멀리 있는 듯 신비하게, ‘플로라’는 현실적으로 묘사되어 있기 때?